"Atterrissage!" J'ai eu un tel plaisir à regarder et à revoir l'histoire du tueur de slasher sur le thème du football Smashmouth dans Le Smash une fois et à venir ainsi que Zone de fin 2 J'ai contacté les cinéastes derrière le gril gorehound. Parler avec Sophia Cacciola et Michael J. Epstein a donné un aperçu plus approfondi d'un double long métrage aussi conceptuel et plus encore.

Quels sont vos parcours de cinéastes ?

Nous avons tous les deux grandi en aimant le cinéma et en faisant des films avec nos amis sur des caméscopes VHS, mais nous nous sommes ensuite concentrés sur la musique. Nous avons travaillé avec d'autres réalisateurs pour faire des vidéoclips pour nos groupes, ce qui s'est avéré plutôt réussi ! Le groupe de Michael, The Motion Sick, avait le clip de leur chanson "30 Lives" sur les plus petits réseaux MTV, et il s'est retrouvé dans plusieurs jeux Dance Dance Revolution. Le groupe de Sophia, la vidéo de Do Not Forsake Me Oh My Darling pour "Episode 1 - Arrival", a été présentée dans TIME comme la meilleure vidéo de l'année. 

Nous avons réalisé que nous voulions faire plus de vidéos, alors nous avons simplement acheté des appareils photo numériques bon marché et nous nous sommes lancés. Une chose en amenant une autre, et en l'espace d'environ un an, nous faisions notre premier long métrage. 

Quelle a été l'inspiration pour The Once And Future Smash et End Zone 2 ? Lequel est arrivé en premier ?

Nous sommes fascinés par l'explosion de la culture des fandoms d'horreur. Nous n'aimons pas particulièrement aller à des conventions ou collecter des signatures, mais nous pensons qu'il y a une communauté merveilleuse et incroyable autour de tout cela. Il y a aussi toutes sortes de politiques intéressantes sur les relations entre les acteurs. Nous avions entendu des histoires de disputes sur qui jouait réellement des rôles masqués qui sont difficiles à confirmer dans certains films et nous pensions que cela pourrait être un point d'entrée intéressant pour la narration dans le monde des conventions.

Michael parlait à notre ami Neal Jones, qui fait le podcast Without Your Head depuis assez longtemps et a interviewé à peu près tout le monde avec horreur. Neal a mentionné qu'un de ses anciens invités s'est plaint lorsqu'il a annoncé un invité à venir parce qu'ils avaient un désaccord public sur qui mérite le crédit pour le rôle masqué qu'ils ont tous les deux joué. Michael a mentionné à Neal qu'il avait un concept de scénario pour une histoire comme celle-là mais qu'il n'avait pas l'intention de l'écrire car cela impliquerait d'avoir accès à une convention et à d'autres éléments de production coûteux.

Neal s'est enregistré avec ses amis à la convention Mad Monster Party, qui ont rapidement accepté d'autoriser Neal à y filmer. Neal et Michael ont réfléchi à qui ils voudraient jouer dans le film, et les deux premières personnes qui leur sont venues à l'esprit étaient Bill Weeden et Michael St. Michaels. Sans scénario, nous leur avons demandé à tous les deux s'ils seraient intéressés par le concept et par le tournage de Mad Monster. C'était fin juillet 2019. Nous savions que nous aurions besoin de tourner sur Mad Monster en février 2020, alors Michael s'est mis à écrire le scénario le plus rapidement possible tandis que Neal a commencé à réfléchir à ceux de ses anciens invités qui aimeraient en faire partie. . 

Nous savions également que nous devions tourner End Zone 2 avant la convention afin d'avoir des images fixes et d'autres matériaux pour la conception de la production, nous avons donc prévu cela pour la production en décembre 2019. Nous avons rédigé un plan pour End Zone 2, puis apporté notre ami Brian W. Smith pour écrire une première ébauche du script réel. Nous l'avons récupéré début octobre et avons tourné End Zone 2 en une semaine en décembre 2019. 

Comment avez-vous trouvé Smash-Mouth et son design/son background en tant que personnage de slasher ? Y compris son slogan signature de "Touchdown!"?

Nous savions que nous voulions faire le film, mais nous n'avions aucune idée de ce que serait le film dans le film. Nous voulions un personnage emblématique qui aurait pu avoir une influence hypothétique sur toutes les principales icônes de slasher. Nous savions que nous voulions quelque chose de vraiment exagéré en termes de look et de personnalité. 

Nous avons réfléchi à des noms avec des mots comme "slash" et "tuer", et Sophia a dit "Smash-Mouth" en plaisantant. Nous avons ri et avons ensuite pensé que c'était un drôle de nom, et cela donne aussi une caractéristique visuelle d'avoir un visage brisé. Nous avons donc recherché l'origine du terme et avons appris qu'il faisait référence à un football rude et conflictuel - le football à la gueule! Tout a fait boule de neige à partir de là – mâchoire cassée, joueur de football, "touché !"

Honnêtement, nous n'aimons pas le football ou n'en savons pas beaucoup sur le football, mais nous avons fait beaucoup de recherches sur l'histoire de l'équipement et des uniformes de football. Nous sommes tombés amoureux du look leatherhead et avons en quelque sorte élaboré l'histoire autour de cela. Nous voulions que End Zone 2 soit un film "contemporain" de 1970, mais nous pensions que End Zone 1 aurait pu se dérouler à une époque où des casques en cuir étaient utilisés. Nous avons appris qu'ils avaient été abandonnés professionnellement vers 1950, mais nous avons pensé qu'un petit lycée les utiliserait au-delà de cela, et avons décidé que nous pourrions définir End Zone 1 en 1955 et faire cela 15 ans avant End Zone 2 chronologiquement. Nous avons reconstitué un uniforme et un casque vintage (assez chers) d'eBay et d'Etsy !

Cela nous a également permis de sortir du casting de lycéens dans le film et de nous concentrer sur le type de traumatisme de survie que beaucoup de «final girls» slasher ont dans les suites. Cela a également donné à Smash-Mouth une sorte de qualité éthérée et hors de son temps. Le passé continue de les hanter tous. 

Pour le masque, nous avons eu beaucoup de chance de pouvoir faire appel à l'artiste FX Joe Castro. Nous avons travaillé avec lui pour vraiment réfléchir à ce à quoi ressemblerait un masque emblématique s'il était fabriqué à la fin des années 60. Il avait besoin de se sentir vivant mais aussi de ne pas avoir vraiment de motricité. Joe a créé plusieurs concepts et essayé une variété de matériaux avant de choisir le masque parfait, qui est vraiment ce qui a donné vie au personnage. 

Est-ce que quelque chose a été inspiré par vos propres expériences lors de conventions d'horreur?

Michael a définitivement essayé de capturer autant d'expériences de convention maladroites et amusantes que possible dans le script. Nous voulions que tout cela se sente satiriquement familier aux congressistes. Nous avons également profité des opportunités du congrès qui se sont présentées. Par exemple, le concours de costumes n'était pas dans le scénario car nous ne le savions pas. Nous avons découvert que notre ami, James Balsamo, était l'hôte, et nous lui avons demandé si nous pouvions entrer AJ déguisé en Smash-Mouth et le faire perdre mal. C'était vraiment tout ce que nous avions donné à James.

Comme vous pouvez le voir dans le film, James est VRAIMENT allé en ville avec le pauvre AJ. Le truc, c'est que la foule géante n'avait aucune idée que c'était pour un film, et ils pensaient vraiment que James le harcelait. Beaucoup de gens sont allés vers James après pour lui crier dessus et vers AJ après pour le réconforter. Nous avons dû expliquer que ce n'était pas réel. 

Comment s'est passé le casting ?

Pour The Once and Future Smash, nous avions choisi Michael et Bill immédiatement, donc le scénario a vraiment été écrit en pensant à eux. Nous avions déjà prévu avec notre ami, AJ Cutler, qui a une jambe prothétique, de le mettre un jour dans un film d'horreur et de lui couper la jambe. Michael a eu la terrible idée de faire jouer AJ dans End Zone 2, où il se fait couper la jambe, puis de jouer le fils de l'acteur qui a également perdu sa jambe d'une manière suspecte qui était peut-être liée au rôle emblématique de son père. . 

Nous savions qu'AJ était talentueux et drôle, mais il n'avait pas une tonne d'expérience d'acteur. Nous avons parlé avec lui et avons décidé de prendre un risque et de compter sur lui pour les deux films, ce qui était particulièrement risqué car il est en quelque sorte le mandataire du public et le cœur de The Once and Future Smash. Nous pensions que nous devions peut-être passer beaucoup de temps et d'énergie à le diriger pour obtenir les performances que nous voulions, mais il était absolument naturel dans les deux rôles, et il a préparé et apporté tout ce que nous voulions, donc nous n'avions vraiment pas à le faire. dirige pas du tout sa performance. Bill et Michael se sentaient un peu comme si AJ avait volé pas mal de scènes !

Pour End Zone 2, nous savions que nous allions tourner le film en très peu de temps – il s'est avéré être de six jours plus un jour de ramassage. Nous savions également que nous voulions qu'il y ait de nombreuses prises très longues pour correspondre au style de l'époque. Dans le monde à petit budget des années 1970, ils n'auraient pas pu se permettre le stock de films pour faire toutes sortes de couvertures. Nous avons planifié le tournage autour de la location d'une maison à Lake Arrowhead avec tout le monde vivant sur le plateau. Donc, tout cela signifiait que nous avions besoin d'acteurs accomplis qui comprenaient le projet et étaient d'accord avec une atmosphère discrète et familiale sur le plateau où tout le monde intervient partout où il le peut avec des choses comme la cuisine et le nettoyage. Toutes les personnes impliquées dans le film (y compris nous) sont également créditées sous un pseudonyme, il fallait donc une adhésion totale au projet pour vouloir en faire partie.  

Nous avons vraiment choisi des amis et des amis d'amis plutôt que d'utiliser tout type de processus d'audition. Les membres de la distribution étaient tous merveilleux et connaissaient leurs répliques de fond en comble, nous pouvions donc exécuter ces scènes de plus de 6 minutes sans coupures. 

Comment était-ce de filmer dans un cadre de convention?

Très difficile ! C'était bruyant et chaotique, et nous ne pouvions vraiment rien contrôler. Nous avions la permission de tourner, mais bien sûr, c'était une véritable convention active, et nous avons essayé de minimiser à quel point nous étions perturbateurs pour tout le monde autour de nous et à la convention. Les gens de Mad Monster Party et de l'hôtel étaient des héros absolus pour nous ! Ils ont vraiment essayé de nous donner tout ce dont nous avions besoin et de soutenir l'effort.

Nous ne pouvions pas non plus nous permettre d'envoyer des gens en Caroline du Nord pour de petits rôles, alors nous avons choisi la plupart des petits rôles lors de la convention. C'était intéressant parce que parfois c'était des gens que nous connaissions ou des gens impliqués dans la gestion de la série, et d'autres fois, surtout avec les enfants, c'était juste une sorte de marche vers les gens et de dire: «Hé, tu veux être dans un film?" 

Lors de l'écriture du scénario, Michael a également essayé de minimiser la partie qui s'est déroulée sur le sol et lors de la convention en général. Nous savions que nous aurions accès à Bill et Michael pour un temps limité, donc tout ce qui nous éloignait vers d'autres personnages que nous pouvions filmer ailleurs signifiait plus de temps pour bien faire les choses avec les scènes dont nous avions besoin à la convention. 

Nous avons roulé avec les coups à peu près. Les scènes qui ne fonctionnaient pas ont été coupées dans le montage et les clowns ont joué un rôle beaucoup plus important que prévu !

Quand chaque projet a-t-il été tourné et dans quel ordre ? Qu'est-ce qui a contribué à créer le style/l'ambiance rétro de End Zone 2 ?

End Zone 2 a été filmé en décembre 2019, et la partie convention de The Once and Future Smash a été filmée en février 2020. Après la convention, il y a eu beaucoup de retard et de réflexion à cause de COVID. Nous avons terminé The Once and Future Smash à l'été 2022.

Afin de rendre End Zone 2 aussi authentique que possible, au-delà de la création minutieuse de Smash-Mouth, Sophia a passé beaucoup de temps à acheter des vêtements vintage et à déterminer la garde-robe, le style et la conception de la production. Nous avons recherché le bon emplacement pour correspondre à l'époque et au style.

Nous avons demandé au casting d'étudier un style de jeu très spécifique du début des années 70 parce que nous voulions vraiment avoir des performances honnêtes et sérieuses, même si les circonstances du film pouvaient sembler idiotes. Nous ne voulions pas adopter une approche ironique de End Zone 2. Nous avons envoyé des références d'acteurs d'horreur comme The Texas Chain Saw Massacre et Black Christmas, mais nous avons également demandé au casting de jeter un œil au début des années 70. performances naturelles dans les films Altman et Cassavetes. Nous avons cité 3 femmes, Une femme sous influence, The Long Goodbye et Klute comme exemples de ce que nous recherchions. 

Pour les éléments techniques, nous avons fait beaucoup de recherches sur le type de caméra et de film qui aurait probablement été utilisé pour un film régional à petit budget de cette nature. Nous avons pensé à acheter la caméra spécifique et le stock le plus proche pour tourner le film, mais après l'avoir fixé, nous avons réalisé que nous aurions besoin de tourner en numérique. Sophia était la directrice de la photographie pour End Zone 2. Elle a choisi le BlackMagic Pocket 4K car il a une plage dynamique suffisamment large pour capturer un aspect cinématographique et un petit capteur qui est plus proche d'un cadre de 16 mm que n'importe quelle caméra de cinéma numérique. Nous avons acheté beaucoup d'objectifs 16 mm vintage et fait quelques tests de prise de vue, mais avons finalement choisi d'acheter un zoom parfocal DZO. L'objectif n'était disponible à l'achat que moins d'une semaine avant le tournage. Heureusement, nous étions à New York et avons pu récupérer l'objectif dans la salle d'exposition. 

Pendant le tournage, Sophia a été intentionnellement limitée au zoom manuel pour capturer les imperfections du travail de caméra à petit budget de l'époque. Nous ne voulions pas que quoi que ce soit soit intentionnellement mal tourné, mais nous voulions créer les mêmes types d'obstacles et de limites que les cinéastes auraient eu à l'époque. Pour créer un look plus cinématographique, Sophia a également utilisé de puissants filtres Black Promist pour améliorer la lueur et la floraison des lumières et des reflets de l'image.

Pour la poste, nous avons acheté une grande variété de packs de numérisation de grain de film et avons finalement décidé de mélanger nos propres grains en utilisant plusieurs couches de numérisations de grain. Il n'y avait pas de boucle ni de solution de plug-in simple qui fonctionnerait pour nous. Lors du montage, Michael a décomposé la structure du film et décidé où les bobines se terminaient et où les éléments auraient pu être endommagés. Il a mis différents grains sur différentes bobines et a ajouté des dommages aux extrémités des bobines et à d'autres zones les plus susceptibles d'avoir été rayées. Michael a construit des repères et les a placés avec la synchronisation et l'espacement des images qui étaient utilisés à l'époque. Pour l'audio, Michael a également enregistré le mixage sonore final sur cassette et l'a renumérisé, et l'a mélangé avec la source pour contrôler la quantité de bruit, de wow et de scintillement. 

Michael a également parfois fait des modifications intentionnellement imparfaites et placé Foley qui aurait correspondu à l'époque. Il y avait aussi quelques indices Foley qui ont été intentionnellement coupés dans le film final, comme s'ils manquaient. Nous pensions que ce genre d'imperfections aidait à adapter le film à l'époque et au budget.

Comment avez-vous assemblé la partie cinéaste / acteur / têtes parlantes des interviews fictives?

Lorsque Michael a écrit le scénario, il a assigné des lignes avec des types de personnes spécifiques à l'esprit, mais en sachant que certains pourraient ne pas dire oui à faire le film. Donc, nous avions des "personnages" comme "type Melanie Kinnaman" ou "type Mark Patton" dans le script original. Notre autre producteur, Neal Jones, faisait vraiment partie intégrante du casting de cette partie. Tous les trois, nous avons réfléchi à une liste de personnes qui, selon nous, pourraient convenir. Nous nous sommes concentrés sur le groupe d'invités que Neal avait sur son podcast et sur les personnes qu'il connaissait pour avoir organisé des panels lors de conventions et d'autres types de choses similaires. Neal a commencé à tendre la main aux gens. Il leur a expliqué le concept et ce que nous allions leur demander de faire. Certains étaient inquiets de la façon dont ils pourraient se détacher dans un faux documentaire, mais beaucoup ont sauté à bord ! Neal était très apprécié de ces gens, et ils pensaient qu'il n'essayait pas de dépeindre qui que ce soit sous un mauvais jour ou quelque chose comme ça. 

Une fois les personnes réservées, nous avons parcouru le script et déterminé quelles lignes pourraient leur convenir. Tous les trois, nous avons également réfléchi à du matériel supplémentaire faisant référence à leur travail et à leurs personnalités spécifiques. Nous les avons tournés de 2019 jusqu'aux derniers jours avant la livraison à la première de notre festival à l'été 2022. Alors que nous nous rapprochions de la fin, notre rédacteur en chef de The Once and Future Smash, Aaron Barrocas, a également suggéré du matériel pour les interviews qui pourraient combler les lacunes. , ajouter des blagues ou améliorer le contexte. Il était très utile de pouvoir regarder des coupes grossières, puis de filmer des morceaux de tête parlante supplémentaires pour résoudre les problèmes et combler les lacunes. 

Nous n'avons eu que peu de temps avec chacune des têtes parlantes, mais elles ont vraiment toutes fait un travail formidable en s'engageant dans le concept et en célébrant le projet. Nous étions très heureux de pouvoir partager le film avec beaucoup d'entre eux lors de la première à Los Angeles. Nous étions inquiets de la façon dont ils pourraient réagir, mais vraiment heureux qu'ils aient tous semblé apprécier le film et se sentent bien dans la façon dont nous les avons dépeints. Cela a toujours été notre objectif - célébrer ces gens, nous avons grandi en les regardant et en les admirant. 

Il y a beaucoup de blagues et de références de franchise d'horreur dans The Once And Future Smash. Comment avez-vous enchaîné tout cela?

Nous sommes de grands fans d'horreur et nous voulions vraiment que ce soit une célébration de l'histoire de l'horreur ! Lorsque Michael écrivait, il essayait de trouver l'équilibre entre des blagues qui fonctionneraient pour un large public et des blagues profondes qui récompenseraient les téléspectateurs qui connaissent vraiment l'horreur. Quelqu'un nous a demandé combien de références il y avait dans les deux films, et on a définitivement perdu le compte, mais c'est beaucoup ! 

Quand Aaron éditait, il a également fait un excellent travail en contrôlant le ton et en coupant les blagues qui ne fonctionnaient pas ou qui semblaient trop obscures. Aaron a également ajouté quelques blagues visuelles – des choses comme le timing chyron comme punchline. 

Y aura-t-il une End Zone 3 ? Verrons-nous plus de Smash-Mouth un jour ?

Nous avons tellement d'idées de films que nous aimerions faire, donc nous n'avons pas tendance à revenir sur des projets, mais il y a quelque chose de spécial pour nous dans l'univers End Zone. Nous avons pensé à faire le remake de End Zone 1 ou faire End Zone 3D, mais tout dépendra du succès financier des films actuels. Bref, s'il y a une demande de plus qui justifie le budget, on en fera plus !

En tant que faux documentaire, quel était le niveau d'improvisation par rapport au dialogue scénarisé ?

Comme nous l'avons mentionné, le concours de costumes était complètement spontané. Sinon, il y a en fait très peu d'improvisation dans le film. Nous avons dit à toutes les têtes parlantes qu'elles étaient les bienvenues pour riffer sur les lignes ou les reformuler, donc un peu de cela s'est produit ici et là. À titre d'exemple, Jared Rivet a proposé quelques-uns des titres de films de vengeance sur le football qui ont fait la coupe, et James Branscome s'est amusé à ajouter des blagues sur le Vietnam à presque toutes ses répliques.  

Y a-t-il une date de distribution/sortie pour TOAFS et End Zone 2 ?

Nous avons des conversations avec les distributeurs depuis près d'un an maintenant, et nous avons reçu de nombreuses offres, mais nous recherchions une garantie initiale qui couvre les petits budgets des deux films. Le marché est tel maintenant que la plupart des distributeurs ont peur de prendre des risques, surtout pour un projet inhabituel comme celui-ci. Donc, nous allons très probablement travailler avec un agrégateur et faire une auto-sortie du film cet automne. Cela a été une voie réussie pour nous dans le passé, et nous n'avons aucune appréhension à adopter cette approche. Cela signifie également que nous pourrons vraiment contrôler le film et déterminer la meilleure façon de le partager avec le monde. Aucune date n'est encore fixée pour la sortie.

Sur quoi travaillez-vous tous les deux maintenant ?

Sophia sera la directrice de la photographie sur plusieurs longs métrages de genre tournés d'ici la fin de l'année qui n'ont pas encore été annoncés publiquement, et Michael a écrit pour les prochains longs métrages, Manicorn (dir. Jim McDonough) et A Hard Place (dir . J. Horton). Nous avons également travaillé tous les deux sur le nouveau film de Matt Stuertz, Wake Not the Dead, qui va être génial ! 

Nous jonglons également toujours avec nos propres projets pour voir quelles ressources font surface pour donner vie à la prochaine chose. En croisant les doigts, nous pouvons dire que nous avons développé un mystère de meurtre que nous espérons réaliser cet hiver avec Sophia à la réalisation et Michael à l'écriture et à la production.