Natasha Kermani est une étoile montante du cinéma de genre. Son premier long métrage, Imitation fille, a été salué par la critique pour ses thèmes de dualité et une double performance impressionnante de Lauren Ashley Carter (Artik, chéri). Avec Chanceux (que vous pouvez lisez mon avis sur ici), Kermani continue d'attirer l'attention. 

Après avoir organisé sa première au nouveau festival numérique du film Fantasia de cette année, je me suis assis avec Kermani pour discuter Chanceux, des combats décousus, cette scène de garage intense et la conception en couches du film. 

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Kelly McNeely: Donc, avec Chanceux, Comment avez-vous été intégré au projet? Comment êtes-vous arrivé à bord?

Natasha Kermani : Ouais, donc j'avais vraiment su Brea [Subvention] socialement pendant un peu avant d'obtenir le script. Alors je savais déjà qui elle était. Et le scénario m'a été apporté par l'un des producteurs qui est fondamentalement comme, vous savez, je sais que vous savez, Brea, je ne sais pas si vous avez lu l'un de ses travaux, et je ne l'avais pas fait alors j'ai lu c'est vraiment par curiosité. Je cherchais mon prochain projet. Je venais de terminer la sortie de mon premier long métrage. Et je l'ai lu et j'ai vraiment répondu à la clarté de sa voix dans ce scénario. C'était une perspective tellement spécifique et très précise sur ce qui est en fait un thème très large. Et une très grande idée. J'étais donc vraiment attiré par ça. Et puis je suis essentiellement arrivé à un point dans le film où elle élargit en quelque sorte la portée de l'histoire. Vous avez donc été en quelque sorte dans cette perspective très singulière, cette histoire à très petite échelle, puis elle l'élargit au troisième acte d'une manière qui m'excitait vraiment. Alors j'ai en fait mis le script, je lui ai envoyé un e-mail et je me suis dit, hé, je ne sais pas à qui d'autre vous parlez. Mais comme, je veux ça. [rires] Ne l'envoyez à personne d'autre. 

Heureusement, elle était en panne et nous l'avons mis en place assez rapidement à partir de cette première lecture initiale. Alors oui, honnêtement, je viens de lire le script et je l'ai vraiment aimé. Et j'ai vraiment vu Brea comme May, ce qui était aussi génial de savoir que vous venez pour un projet qui est - emballé n'est pas le bon mot - mais qu'il y a une personne, il y a une actrice au centre de cela qui alors je pourrais dire d'accord, maintenant nous pouvons commencer à construire avec elle comme pièce maîtresse du film. C'est ainsi que ça s'est passé. 

Maintenant, avec le personnage de l'homme, j'aime le design que vous avez pour lui qui est en quelque sorte contre le stéréotype. Il n'a pas besoin d'être effrayant pour être vraiment effrayant. Tu sais ce que je veux dire? Il n'est pas comme un Leatherface, ce n'est pas un Jason Voorhees, mais il est toujours terrifiant. Comment avez-vous développé ce design dans ce concept? Et j'aime le fait que c'est aussi un peu différent pour chaque femme.  

Ouais, c'est en fait la genèse de ça. Dans le scénario original, il est plus un Michael Myers. Au départ, nous parlions de gros mecs de MMA, vous savez, de gros mecs, de gros mecs musclés. Tout est né d'une conversation avec toute l'équipe. Donc, tout le monde s'assoit en quelque sorte ensemble et dit, attendez une minute. Brea est très petite, elle est petite, vous savez, elle mesure 5 pieds 2 pouces ou quelque chose comme ça. Et nous devons croire qu'elle serait capable de combattre ce type nuit après nuit après nuit. Et c'était en quelque sorte le premier coup que nous avions. Et, vous savez, de cette conversation est venue plus de conversations sur le bien, si nous dépassons le stéréotype de Michael Myers, qu'est-ce que cela ouvre, quelles nouvelles conversations pouvons-nous avoir à partir de cela. 

Avec la garde-robe et avec les producteurs, j'ai vraiment eu des conversations amusantes. Nous référençons en fait beaucoup de Mads Mikkelsen de Hannibal, un peu comme les cheveux lissés en arrière. Et nous avons commencé à parler de ça et le masque était quelque chose qui ne ressemblait pas à un masque de hockey, mais quelque chose qui de loin semble presque humain, ressemble presque à un visage de quelqu'un, mais ensuite il capte la lumière d'une certaine manière ou il y a quelque chose sorte de déformé. 

J'ai commencé à dessiner des sortes de peintures et de sculptures bizarres qui jouaient en quelque sorte avec des défigurations très mineures du corps et du visage humains. C'est un peu tout le matériel que nous avons apporté à Jeff Farley, avec qui j'avais travaillé sur mon premier film, qui est un artiste prothétique incroyable, un artiste d'effets spéciaux, et il a construit notre masque avec un temps très limité et des ressources très limitées. Nous l'avons aimé. Nous avons adoré ce qu'il a apporté, et nous avons eu quelques modifications très mineures, mais fondamentalement, la preuve qu'il nous a apportée nous était comme, génial, nous l'aimons.

Maintenant, les scènes de combat sont vraiment un peu décousues. Ils ne sont pas stylisés. Aviez-vous une chorégraphe de combat pour ça?

Nous faisions. Et c'était l'une des choses les plus importantes, je ne cherchais pas spécifiquement à embaucher des femmes pour aucun des départements, à l'exception du coordinateur de combat - le coordinateur des cascades - je voulais spécifiquement une femme parce que je sentais qu'il était très important que nous croyions que May n'est pas une combattante professionnelle et que sa légitime défense ne vient d'aucune sorte d'entraînement ou quoi que ce soit. C'est juste sa chorégraphie de combat instinctif. Et nous avons eu beaucoup de chance, nous avons eu un coordinateur de cascades incroyable et incroyable. Elle coordonne comme Lueur et un tas de trucs vraiment géniaux et super cool. Elle a donc tout de suite compris la direction derrière ce que cela signifie, que May n'est pas un combattant professionnel. Et donc les combats en sont vraiment sortis. Nous aurions donc en quelque sorte la base du scénario. Donc, nous saurions que ce genre de se déroule autour de l'escalier, ce genre de se déroule dans le lit, ce genre de se déroule dans le garage. Et puis elle et moi nous rebondissions et voyions ce qui aurait du sens. 

Nous voulions également la voir devenir plus confiante. Donc, son arc depuis le début était juste comme, ah, éloigne-toi de moi. À la fin, elle utilise des outils, elle a un couteau, elle a des trucs différents. C'était donc une chose amusante que nous avons pu intégrer. Mais encore une fois, beaucoup de ces décisions qui ressemblent à des décisions élégantes ou à des décisions esthétiques spécifiques sont toutes nées de l'aspect pratique. Droite? Et je pense que c'est peut-être quelque chose que vous ne voyez pas avec l'équipe masculine qui est peut-être intéressée à la rendre super cool et super sexy et chaude. Et tu sais, on vient en quelque sorte de non, comme, cette nana ne sait pas se battre. [rires] Nous n'essayons donc pas de la rendre cool ou attirante, non? Elle essaie juste de se débarrasser de ce type effrayant.

Elle essaie juste de survivre. 

Exactement. C'est tout. C'est tout. Et je voulais aussi une femme qui comprendrait le ton sous-jacent de la violence envers les femmes. Nous marchons très légèrement, car c'est un film drôle. C'est satirique. Et bien sûr, il n'y a rien de drôle à propos de la violence domestique ou quoi que ce soit de ce genre, auquel nous faisons allusion. Comme si c'était vraiment un élément du film. Je savais donc que je voulais vraiment que cela soit géré correctement. Et cela faisait vraiment partie de la conversation que nous avons eue non seulement avec Brea, mais aussi avec la coordinatrice des cascades et la maquilleuse, sur l'apparence de ses ecchymoses et simplement sur l'impact de cette violence.

Vous voyez presque aussi le développement d'un personnage à travers ses combats, comme vous le disiez, elle commence à choisir des outils et elle commence à devenir plus confiante. Je pense que c'est vraiment intelligent.

Ouais, je veux dire, au moment où tu la vois se lever avec du sang sur son visage, et qu'elle sourit, tu sais, d'accord, nous avons beaucoup dépassé notre point de départ. 

Caractère très différent à la fin. Pouvez-vous parler un peu de la scène du garage et du processus de tournage? Et encore une fois, avec la chorégraphie des cascades, cela semble être une scène très complexe à tourner - et j'adore l'éclairage.

Ouais, merci. J'ai donc travaillé avec une incroyable cinéaste nommée Julia Swain. Et c'était vraiment son moment de briller. Encore une fois, la scène du parking est lorsque j'ai posé le script et décidé que j'allais faire le film, je savais que nous devions comprendre où mettre nos ressources pour que cette scène soit réussie. Parce que je pense que si cette séquence ne fonctionnait pas, le film ne servait à rien. Droite? Par exemple, peu importe si nous ne sommes pas capables de réaliser cette expansion de la portée et de l'échelle du monde, alors je ne sais pas ce que nous faisons. Vous savez, pourquoi avons-nous fait ce film? 

Donc dès le premier jour, je pense que dès les toutes premières rencontres que j'ai eues avec les producteurs, je demandais au départ trois jours pour cette séquence, nous nous sommes retrouvés avec deux et nous avons dû nous battre pour ça, vous savez, c'était comme, non, nous avons besoin de temps, nous avons besoin de ressources. Et évidemment, il y a toujours des compromis non-stop qui se produisent, mais nous avons essayé de préserver l'intégrité structurelle de cette séquence parce qu'elle était si importante. Donc, l'éclairage est très important. Une grande partie de cela est pratique. Nous avons donc en fait échangé toutes les lumières que vous voyez, en regardant dans les différentes allées du garage. Julie et son équipe les ont échangés afin que nous puissions obtenir un peu plus du look que nous recherchions spécifiquement dans la couleur exacte. Nous voulions un contraste de couleur. Le rouge représente donc les hommes. Et le bleu était plus les personnages féminins. Et donc le contraste des couleurs était extrêmement important. 

Nous voulions avoir une idée de l'échelle pour pouvoir voir tout le long du parking. Souvent, avec les indies, vous savez, vous ne verrez que ce que nous voyons dans le cadre en ce moment. Droite? Les largeurs sont chères. [rires] Nous voulions donc avoir des images larges. Avec le grand arc autour, nous réutilisons en fait les cascadeurs et les figurants. Il y a donc des coupes qui ont été apportées pour y parvenir. Donc encore une fois, c'était avec nos ressources limitées, comprendre comment nous pouvons doubler les gens, les mettre dans des tenues différentes, bla, bla, bla et voir si nous pouvons, vous savez, le faire paraître un peu plus grand qu'il ne l'est. 

Et je pense que cela fonctionne parce que si les gens prêtent attention au film, ils comprennent les implications de ce que dit cette séquence. Donc, vraiment, nous les y amenons visuellement, puis nous les aidons avec la musique. Nous aidons à la cinématographie, nous avions un coloriste incroyable qui travaille en photochimie qui nous a vraiment aidés à passer au niveau supérieur, nous avons vraiment poussé ces images aussi loin que possible avec les rouges et les bleus. De sorte que même s'il n'y a pas de lumière blanche réelle dans cette séquence, tout est bleu ou rouge. C'est donc vraiment ce genre de contraste frappant.

Et puis, vous savez, pour augmenter les visuels, nous avons la musique et la conception sonore, et la conception sonore est très riche. C'est le point le plus riche du film. Il y a beaucoup d'effets sonores en couches là-dedans. Il y a des grondements et des tremblements de terre, et nous remplissons vraiment l'atmosphère. Et musicalement, c'est la première fois que vous entendez le thème de May et le motif musical de May complètement fusionnés avec le thème musical de l'homme. Et c'est la première fois que vous entendez le thème de l'homme devenir plus plein et mélodique. Nous avons donc entendu ces petites sortes de discordes - vous vous souviendrez que la première fois qu'il entre, c'est comme ces petits échasses - c'est le même instrument. Et ce sont en fait beaucoup des mêmes échantillons sonores. Mais à ce stade du film, c'est la première fois à plein temps que vous avez une combinaison entièrement mélodique de ces motifs, et vous pouvez le sentir en quelque sorte s'étendre à ce stade. Et puis il nage en quelque sorte jusqu'à la fin du film.

Et c'est aussi un design visuel cool. La couleur crée ce faux sentiment de sécurité, en utilisant ces blancs et bleus froids et tout. C'est très calme. C'est très serein, mais les immenses fenêtres sont un peu rebutantes. 

N'est-ce pas fou? Il y a une famille qui vit dans cette maison. [rires] C'est un endroit réel. 

Wow, je ne pouvais pas imaginer essayer de nettoyer ces fenêtres, ce serait un cauchemar! Alors, quelles ont été vos influences et vos inspirations lors de la réalisation du film?

Et nous n'étions pas si lourds de références. Je pense que nous avons vraiment construit l'aspect des besoins du projet. Donc, le directeur de la photographie Julia et moi avons eu beaucoup de conversations sur le début. Nous voulions un look cinématographique, d'accord, nous n'essayons pas de lui donner un sentiment documentaire de toute façon. [rires] Nous reconnaissons immédiatement que c'est une sorte de Twilight Zone, c'est vraiment un film. C'est une expérience dans laquelle vous vous déplacez. Ce n'est pas hyperréal, en bref, c'était donc important pour nous. Nous avons fait un test d'objectif pour sélectionner en quelque sorte les objectifs que nous aimions et qui y contribuaient de la même manière. Nous avons donc choisi un ensemble, nous avons choisi de nous anamorphoser. C'est donc un peu comme cette ambiance hyper cinématographique grand écran. Et puis à l'intérieur de cela, nous avons trouvé des lentilles qui ne sont pas parfaites. Ils sont donc un peu modernes, mais ils ont beaucoup de petites bizarreries. 

Donc, vous verrez tout au long du film, vous verrez des fusées éclairantes, et il y a en quelque sorte des choses qui sont incorrectes. Et de même, avec la conception de la production, c'est tout ce qui prend des éléments banals dans la vie de May, puis les déforme, les déforme. Vous savez, il y a des plantes dans la maison qui à la fin du film ont complètement dépassé certains aspects de la maison, il y a des peintures qui disparaissent. Donc, tous les éléments faisaient moins référence à des films spécifiques que ce que nous voulions exprimer sur le moment. 

Je dirais que je pense que le film a en fait beaucoup de Crier. Il y a beaucoup d'influence de Crier, ce qui est intéressant. Nous n'avons pas spécifiquement décidé de le faire, mais il y a certainement eu des moments dans le montage où j'étais comme, oh merde, cela me rappelle vraiment l'ouverture de Crier. Alors je pense, inconsciemment, je pense que c'était là. Et c'est aussi dans l'écriture de Brea, la nature satirique de celui-ci. Et en fait pour Brea, c'était une vraie référence, elle m'a vraiment rappelé comme un personnage d'Ingmar Bergman. Je voulais qu'elle ait, vous savez, un look de Liv Ullmann, comme ce genre de cheveux blonds givrés et la mettre dans ce blues cool et elle est toujours en quelque sorte boutonnée tout le long, et donc nous avons eu beaucoup de cette nouvelle vague française le style, c'était vraiment une référence que nous avons apportée. Mais c'était plus pour son style et les tresses et la couleur de ses cheveux. 

Alors, félicitations, j'ai entendu dire que vous aviez été capté par Shudder, ce qui est fantastique. Et je sais que tu as déjà fait du genre avec Imitation fille, avez-vous l'intention de continuer à travailler dans le genre? 

Absolument. Je suis fan de genre. C'est donc le type de films que j'aime regarder. Et je pense que c'est vraiment le plus amusant. C'est égoïste à dire, mais c'est comme, qui veut travailler sur quelque chose qui ressemble à la réalité? Je suis un grand fan de science-fiction. J'ai grandi en te regardant, Star Trek ainsi que Zone floue ainsi que Battlestar Galactica, tous ces trucs vraiment amusants. Donc j'aime tout ce qui déclenche l'imagination et qui est vraiment une fenêtre pour une conversation plus large. Et je pense que le genre a la capacité pour cela. Pour amener les gens à parler, encore une fois, déclenchez l'imagination du public. Et j'espère qu'ils s'éloignent de Chanceux vouloir continuer à en parler. Vous savez, que pensez-vous que cela signifie? Que pensez-vous de sa décision? Êtes-vous d'accord avec elle? Êtes-vous en désaccord?

Et je veux juste dire aussi, vous savez, quand nous avons commencé le film, je pensais que Shudder serait une belle maison pour nous. Et je pense que depuis le tournage de l'été dernier, Shudder fait vraiment des choses intéressantes avec sa curation et sa prise de risque. Et en fait, je pense vraiment à tout, qu'ils ont évolué pour devenir une maison encore meilleure pour ce film, vous savez, ils prennent une chance sur un film original qui va être un déclencheur de conversation, alors j'en suis très heureux . 

Avez-vous un sous-genre préféré d'horreur et de science-fiction, ou un film préféré?

J'adore l'horreur corporelle. Je sais que beaucoup de gens ne le font pas. Je pense que beaucoup de femmes aiment vraiment l'horreur corporelle, ce qui est intéressant. Et même les femmes qui disent qu'elles n'aiment pas ça, quand vous leur en parlez, vous êtes comme, oh, en fait, vous n'aimez tout simplement pas le slasher sanglant. Et je pense que c'est parce que vivre dans nos corps est un peu un spectacle d'horreur. Donc, vous savez, je pense que notre relation au sang, notre relation à des corps changeants, l'idée de métamorphose, l'idée de distorsion, nous y sommes très attirés. Et j'y suis également très attirée. 

J'aime, je dirais The Fly, évidemment, Cronenberg. En même temps, j'aime aussi les trucs super cérébraux. Donc tu sais, Le brillant est, à mon avis, probablement le meilleur film d'horreur et ce n'est pas du tout très graphique, non? Donc je pense qu'il y a de la place pour tout. J'aime tout ce qui recoupe le genre. Donc, si vous pouvez faire quelque chose qui a une horreur corporelle et un grand thème et qui se déroule dans l'espace, totalement vendu. Comme Event Horizon.